艺术构思,画画怎么画传神

艺术构思，画画怎么画传神？

回答这个问题，我想用中国传统的绘画理论来解读一下。即顾恺之的绘画理论来阐述“画画怎么画传神”？这“传神”之术主要是在于人物画和肖像画的形式上得以呈现。

一、他明确提出传神的重要性。

传神的得失与绘画优劣成败有直接的关系，是评画的头一个标准。顾恺之在他的《画云台山记》的文字稿中强调画张道陵要“瘦形而神气远”。不食人间烟火，修炼得道的天师，是不同于肥头大耳的官僚，但瘦只是外形的特点，“凡人”们也有不少是瘦的，光画瘦不行，还需要画出“神气远”的仙人之气，这才合乎形神兼备的要求。

二、他提出反映生活的“以形写神”论。

既然传神重要，那么凭藉什么传神呢？顾恺之提出以形写神论。他认为神存在于客观本体的形象之中，神是通过形表现出来的，没有形，神就无从寄寓，形与神是矛盾的统一体。

就人物画来说，顾恺之首先注意的是头部的形的传神作用，“写自颈已上，宁迟而不隽”。因为头面传神重要，所以画时要谨慎，宁可画慢些，不要太流利了。在头部的五官形象里，哪部分又比较重要呢？顾恺之认为眼睛最为重要。据说他画人有时数年不点目睛。人问其故，答曰：“四体妍蚩，本无关于妙处，传神写照，正在阿堵中。”（阿堵，意思是这个，指眼睛。）意谓人的四体美丑，对于“传神”关系不大，特别是作为写照的肖像画更是如此。传神正在眼睛，顾恺之还曾说过“手挥五弦易，目送归鸿难”。

眼睛是心灵的镜子眼睛反映人的思想情感活动最鲜明。这是一般规律。当然有些人的精神特征表现在与面部的其他部位上，俗话说的目有神，嘴有情，嘴巴也是可以传神的。顾恺之在画裴楷像时根据胆识风度的特点，在颊上添加了三毛，使他的精神立刻跃然画上。

三、他重视人物与环境的关系。

人都是在一定的社会生活和自然环境中活动的；不同的人所处的不同的环境，既反映人的社会地位，也反映的人的思想情感，因此在艺术创作中环境与人的关系密切。所谓典型环境，主要指人与人之间的社会关系，绘画也如此；通常所说的背景道具，只是环境的一小部分，或者说是狭义的环境。顾恺之对于人物和环境的关系很重视。他说：“凡生人亡有手揖眼视而前亡所对者。以形写神而空其实对，荃生之用乖，传神之趋失矣。空其实对则大失，对而不正则小失，不可不察也。”这是说，凡是人作揖、注目，在他的面前必定有人物，他的这些动作神情，是他面前的人物引起的。如果不是这样就违背了以形写神，传神也达不到。

四、他提出体验生活的“迁想妙得”论。

描画对象要以形写神，通过什么途径才能观察到对象的神呢?顾恺之的回答是迁想妙得。迁想妙得的含义，是提倡画家与描绘对象之间的主观和客观联系。画家作画之前，首先要观察、研究描绘的对象，深入体会、揣摩对象的思想情感，这是“迁想”画家在逐渐了解和掌握对象的精神等方面的特征，经过分析提炼获得了艺术构思，这是“妙得”。迁想妙得的过程，也就

是形象思维活动的过程。这种体验生活的方法，适应于对人物的观察，也适应于对自然风景及走兽的观察。顾恺之以“迁想妙得”的难易划分绘画题材表现的难易：“凡画，人最难，次山水，次狗马，台榭一定器耳，难成而易好，不待迁想妙得也。”人物的思想情感复杂微妙，观察体会最难，这是当然之理；可贵的是顾恺之把山水也列入“迁想妙得”的范围，这是卓见。它表明，中国古代山水画论，从诞生、萌芽起，就和自然主义艺术观相对立，要再现大自然的美，寄寓作者情。

从上述四个方面阐述，顾恺之帮助我们对“画画怎么画传神”有了一个清晰的认识。

资料参考来源：葛路著《中国古代绘画理论发展史》

什么艺术填个动词？

【白雪难和】：比喻高深的不通俗的艺术。

【百花齐放，百家争鸣】：比喻艺术及科学的不同派别及风格自由发展与争论。

【独运匠心】：形容精美独到的艺术构思。

【鬼工雷斧】：形容艺术技巧高超，不是人力所能达到的。

【吉光凤羽】：比喻艺术珍品。

【匠心独具】：工巧独特的艺术构思。

【神领意造】：指用心神领会和创造艺术形象。

【神至之笔】：形容艺术作品的技法非常奇妙。

艺术舞蹈分为几类？

明星跳的一般都是舞蹈老师自己编排的现代舞...只是为了增加现场气氛的...融和了多种舞蹈类型...

一、专业舞蹈

古典舞

芭蕾舞

民族舞

民间舞

现代舞

踢踏舞

爵士舞

二、国际标准交谊舞：

1、拉丁舞（伦巴、桑巴、恰恰、斗牛、牛仔）；

2、摩登舞（华尔兹、维也纳华而兹、探戈、快步、狐步舞）；

三、时尚舞蹈

迪斯科

锐舞

街舞

芭啦芭啦

啦啦队舞

热舞劲舞

按照舞蹈的表现形式来划分：独舞、双人舞、三人舞、群舞、组舞、歌舞、歌舞剧、舞剧等。

独舞，由一个人表演的完成一个主题的舞蹈，多用来直接抒发人物的思想感情和揭示人物的内心世界。

双人舞，由两个人表演共同完成一个主题的舞蹈。多用来直接抒发人物的思想感情的交流和展现人物的关系。

三人舞，由三个人合作表演完成一个主题的舞。根据其内容可分为表现单一情绪和表观一定情节，以及表现人物之间的戏剧矛盾冲突等三种不同的类别。

群舞，凡四人以上的舞蹈均可称为群舞。一般多为表现某种概括的情结或塑造群体的形象。通过舞蹈队形、画面的更迭、变化和不同速度、不同力度、不同幅度的舞蹈动作、姿态、造型的发展，能够创造出深邃的诗的意境，具有较强的艺术感染力。

组舞，由若干段舞蹈组成的比较大型的舞蹈作品。其中各个舞蹈有相对的独立性，但它们又都统一在共同的主题和完整的艺术构思之中。

歌舞，是一种歌唱和舞蹈相结合的艺术表演形式。其特点是载歌载舞既长于抒情，又善于叙事，能表观人物复杂、细腻的思想感情和广泛的生活内容。

歌舞剧，是一种以歌唱和舞蹈为主要艺术表现手段来展观戏剧性内容的综合性表演形式。

舞剧，以舞蹈为主要艺术表现手段，并综合了音乐、舞台美术(服装、布景、灯光、道具)等，表现一定戏剧内容的舞蹈作品。

桃花扇艺术特色？

《桃花扇》坚持真实原则。《桃花扇》演的是南明弘光小朝廷的兴亡始末，是一部最接近历史真实的历史剧。

孔尚任在创作中采取了真实的原则，全剧以清流文人侯方域和秦淮名妓李香君的离合之情为线索，展示弘光小王朝兴旺的历史面目，基本上真实地再现了历史。

只是迫于环境，不能直接展现清兵进攻的内容，有意回避、改变了一些情节。

孔尚任对各类人物作了不同笔调的刻画，虽然忠、奸两类人物的结局加了点虚幻之笔，但总的来说，作者的褒贬、爱憎是颇有分寸的，表现出清醒、超脱的历史态度。

书法鉴赏中从哪些角度来看一个作品的水平？

书法定义

书法，通俗的说，就是富有感情的以艺术的手法表现汉字的魅力。我们的生活到处都有书法的身影，无论是大街小巷的海报宣传还是我们每天运用书法的技巧去写汉字，都用到了书法。

有关书法的概念，众说纷纭。一般情况下，书法可以定义为：以汉字为载体，运用书写工具去表现内心思想情感的艺术。由定义可见，中国书法与汉文字有着密不可分的血肉联系。可以这样认为，书法艺术是伴随着文字的产生而产生的，只不过，这时候的书法正处于“混沌萌芽” 阶段。事实上，中国书法史是伴随着汉字演变的发展史。

仓颉造字，奉黄帝之命仰观日月星辰，俯察鸟兽山川，创造出了文字。我们可以了解到最早的汉字来源于物象，即我们今天所说的“象形文字”。象形文字开始，中国有了文字，随着历史的变迁，书法艺术逐渐兴盛起来

书法是我国富有弹性的独特书写工具毛笔写的方式方法，并依据我国汉字造型的特点，通过艺术构思，调动艺术手法而形成的。从形式上说，书法以神采为上，形质次之。也可以说是智测无涯，固也无涯，具以风神气者为居上，奸于功用者居下，其中之奥妙，也就是古人所说的：“玄妙之意，出于物类之表，幽深之理，伏于书冥之间”。由是观之，书法艺术可以说是无声之间，无形之相。

书法艺术有其自身的规律，如讲究执笔，运腕、用笔、使墨、结构、章法(分布)、气韵等等。其艺术形式往往是通过艺术来表达思想感情，理想，亦即可谓“笔情墨趣”。当然书法虽然含有抒写情怀的某些因素，但必须依托一定的对象—汉字；如离了汉字的基本结构和点线的本质而进行抽象的文学那样叙述故事，描写内心感情，却和音乐中器乐较为相近。器乐以旋律、和事。 这就明确地告诉我们书法艺术尽管书体各异，但其造型的共性都是以点、线条构成单个的表意形体，点、线条或结构单位在不违背文字意义的造型规律的前提下，具有充分的可变性与表现力。

世界上，拥有书法艺术的民族屈指可数，其中，唯有中国书法，具有最悠久的历史，传播得最为广泛，同民族文化保持着最密切的关系。这是因为书法与传统文化有着非常悠久的历史渊源。

应该说书法诞生于传统文化，传统文化又以书法见长。书法，看似十分简易，仿佛凡会书写汉字的人都可以参与，能使用毛笔在宣纸上书写汉字，似乎就成了书法家。其实不然。书法作为一种艺术创作，是玄妙而艰深的。写汉字容易，真的走进书法艺术境界的书法家并不是很多的。 书法，是在洁白的纸上，靠了毛笔运动的灵活多变和水墨的丰富性，留下斑斑迹相，在纸面上形成有意味的黑白构成，所以，书法是构成艺术；书家的笔是他手指的延伸，笔的疾厉、徐缓、飞动、顿挫，都受主观的驱使，成为他情感、情绪的发泄，所以，书法也是一种表现性的艺术；书法能够通过作品把书家个人的生活感受、学识、修养、个性等悄悄地折射出来，所以，通常有"字如其人"、"书为心画"的说法；书法还可以用于题词、书写牌匾，因此，也是一种实用性的艺术。总之，书法，是具有更强的综合性艺术，是更倾向于表现主观精神的艺术。

这一点正说明，书法比较集中地体现了中国艺术的基本特征。正像在西方美术中建筑和雕塑引领着其他门类造型艺术一样，书法和绘画则引领着中国美术的其他门类，而列为中国美术之首。当把书法与绘画并提时，又将书法摆在绘画前面，称之为"书画"，如"书画同源"、"琴棋书画"、"书画缘"、"能书会画"等等。书法与传统中国画的关系是十分密切的。特别是在宋元文人画出现以后，绘画用笔讲究从书法中来，水墨写意与书法的行草意趣相通。中国古代雕塑中也蕴含着书法的特征。中国古代雕塑的纹理即是线的组合，造型的装饰性与书法中的篆隶保持着内在联系。中国古代建筑从布局到主体的梁柱结构，都遵循对称、均衡、主从关系等法则，园林建筑中的含蓄、借景，以及亭、台、楼、榭追求的空灵、飞动等都与书法的结体、章法和节奏、气韵密切相关。至于工艺美术和民间美术，也不同程度地受到书法的影响。书法可以视为中国美术之魂。 造型艺术，都以可视的形象因素所构成，形象因素的最小单元是"点"，"点"移动的轨迹为"线"，点与线的有机组合，构成书法，"线"移动的轨迹又形成"面"，点、线、面的有机组合，构成绘画，"面"移动的轨迹，形成体积，于是又构成雕塑、工艺美术品以及建筑等。

所以说书法与传统文化中的雕塑，工艺美术品以及建筑方面都有很大的渊源，不仅如此，书法还是人们陶冶情操的工具，中国人的许多特点，例如隐忍，刚毅与书法中的抑扬顿挫很有关系。书法艺术是传统，古典文化的一分，传统文化包罗万象，博大精深！

正如张旭的“狂草”才能不以书法为师，而是以公孙大娘的舞剑为师，“酒”成为狂草的触媒，使唐代的书法从理性走向癫狂，从平正走向险绝，从四平八稳的规矩走向背叛与颠覆。张旭、怀素被称为“颠”张“狂”素，颠与狂，是他们的书法，也是他们的生命调性，是大唐美学开创的时代风格。杜甫诗中谈到张旭“脱帽露顶”，似乎并不偶然。同时代诗人李颀的《赠张旭》也说到“露顶据胡床，长叫三五声”。“脱帽露顶”常被解释为张旭不拘礼节，不在意同席的士绅公卿。但是“脱帽露顶”如果呼应着《新唐书》里“以头濡墨”的具体动作，张旭的狂草，或许是要摆脱一般书法窠臼，反而应该从更现代前卫的即兴表演艺术来做联想。

张旭传世的作品不多见，写瘐信、谢灵运的“古诗四首”灵动疾飞，速度感极强，对比刻本传世的“肚痛帖”，似乎“肚痛”更多从尖锐细线到沉滞墨块的落差变化，更多大小疾顿之间的错落自由。

如果张旭书写时果真“以头濡墨”，他在酒醉后使众人震撼的行动，并不只是“书写”，而是解放了一切拘束、彻底酣畅淋漓的即兴。“以头濡墨”，是以身体的律动带起墨的流动、泼洒、停顿、宣泄，如雷霆爆炸之重，如江海清光之静。张旭的“狂草”才可能不以“书法”为师，而是以公孙大娘的舞剑为师，把书法美学带向肢体的律动飞扬。唐代的狂草大多看不见了，“以头濡墨”的淋漓洴溅，或留在寺院人家的墙壁上，或留在王公贵族的屏风上，墨迹斑斑，使我想起Yve Klein在一九六〇年代用人体律动留在空白画布上的蓝色油墨。少了现场的即兴，这些作品或许也少了被了解与被收存的意义。颠张狂素，像久远的传奇，他们的“颠”“狂”似乎无法、也不计较坚持留在轻薄的纸绢上，他们的墨痕随着历史岁月，在断垣残壁上漫漶斑驳，消退成废墟里的一阵烟尘，供后人臆测或神往。颜真卿在现代人的心目中是唐楷的典范，恭正大气，但是颜真卿曾向比他年长的张旭请益书法，刻石本的“裴将军诗”或许可以看到颜真卿与张旭的承续关系。他们的“狂草”里也并不刻意避忌楷体行书，几乎是用汉字交响诗的方式出入于各种形体之间。

赏书法不仅体会作品的点画，结体，章法的匠心与功力，以及师承，流派，风格，更重要的是通过作品去感受书法家的气质·情感及审美追求。书法家靠手和思想来创造，欣赏者靠眼力来挖掘发现作品点画布白中蕴藏的生命与灵魂，是一种再创造。这种再创造的成效取决于欣赏者的知识，修养，阅历，心境诸因素。

欣赏书法既要对作品宏观把握，如，气势·用墨·结构·线条，欣赏线条质量，从中可以观察出作者创作时的用笔·用墨及其笔法。其次 是由线条点画组合的汉字结构，体现的意趣和哲理。三是布白包括行气·章法，四是神采，就是指书法的精神气质·格调风韵。神采是作者精神境界的忠实记录与作者的情感·性格·修养密切相关。优秀的作品必须是形美神足，形神兼备，欣赏者就是要领会体势，捕足神采。

书法艺术风格首先表现在作品独特的整体风貌以及所造成的独特境界，这与书法家的审美取向·艺术气质关系最为密切，是书法家艺 术个性追求的结果。

书法艺术风格就是艺术家在创作中表现的艺术特色和创作个性。书法家由于生活经历，艺术修养·个性特征·审美趣味以及性格的不 同，在选择书体，表现手法诸方面都会有自己的特色，这样就形成了不同的艺术风格。风格也最能显示出一个人的气质，精神风貌；这也 是数千年历史积淀在书法家心灵中的反映，体现在线条的微妙之处，以人以无限的遐想。

古人有句话非常好“笔法千古不移，字形因人而异”可见笔法的重要性！一般笔法要求中锋，运行使转流畅，线条要求有劲、含蓄待发！这是最难的，也基本功的一种体现！字形

一般书法对字体要求是有出处的，并不是自己随性而发，觉得好看就行！学的谁的字就要有他的影子！这是好多书法爱好者经常忽视的！！比如他学的是“王羲之”，那就要有“王字”基本的一些外形特征，这是能够鉴定出一个人学书法的基本功到底是否扎实，学习钻研的程度。

章法

简单就是字与字之间的连贯，行与行之间的连贯，书法上反对一副作品上同一个字的笔法字形都一样，这是大忌！就是不能重复！章法的要求就是要形成一幅完整的作品，最好要有平序、高潮与收尾！就像一首好的歌...唐楷，有高潮有平稳的部分才能调动一个人情绪 （当然唐楷除外，觉得好看就行： 第一 笔法！！这是最难的，这是大忌！就像一首好的歌曲一样！比如他学的是“王羲之”！章法的要求就是要形成一幅完整的作品。简单就是字与字之间的连贯。古人有句话非常好“笔法千古不移，线条要求有劲，学习钻研的程度、含蓄待发、高潮与收尾，这是能够鉴定出一个人学书法的基本功到底是否扎实，书法上反对一副作品上同一个字的笔法字形都一样，最好要有平序，字形因人而异”可见笔法的重要性！学的谁的字就要有他的影子！就是不能重复，那就要有“王字”基本的一些外形特征！一般笔法要求中锋，也基本功的一种体现，行与行之间的连贯，并不是自己随性而发，运行使转流畅。

第三 章法！ 第二 字形！这是好多书法爱好者经常忽视的。一般书法对字体要求是有出处的、隶书一般要求就是和字帖一模一样就行，这就是好）一幅书法作品可以从三个角度去鉴赏

前人有云：百川归海，有容乃大。在之前我们讲过，只要是三字，四字的书写艺术作品普通都是现代书写艺术作品，吊挂用场。百川归海从词面来讲就是沧海是容受成千上百条小的河流能力形成海的。同时也有一种心胸和气宇的形容，可以容受各种好的坏的事情。

纵观此幅《百川归海》，笔法流畅天然，字体好看大方，颇具气焰，每次观之，禁不住让人胸怀变得开阔，仿佛好象能容受天和地之间的一切。

此幅《百川归海》为李文志老师新作，个性化却又不失古意，展览出宽博的底蕴。都说评书写艺术创编，讲究的是情意与笔法接合，从这幅作品中我们也可以感觉到模糊不清沧海、没有边际无际的恢弘气焰以及老师创编的时刻的情意迸发，似乎整个儿沧海都在其笔下。

石开老师的这幅《百川归海》书写艺术，除开厚重大气的气焰以外，更多了一种古朴典雅在里边，悠闲舒展，洒脱天然的线条更是勾勒出沧海汹涌澎湃的群体大势，可以说是气宇不平凡。

这幅出自其之手的《百川归海》，笔画不歪斜，结体齐楚，可谓是不歪斜而不呆，整齐而不拘泥。